Garrone, Ciprì e Monti

Potremmo parlare di “Dittico del Sud”.

Usciti in contemporanea, i film “Reality” di Garrone e “E’ stato il figlio” di Ciprì, ci raccontano un meridione iper-realista e apocalittico. Fotografie tra il caravaggesco ed instagram, attori presi dalla prigione, o prigioneri presi dal teatro, musiche senza tempo che danno il tempo alla pellicola. E poi, il protagonista assoluto: il SUD. Umanamente, sociologicamente, antropologicamente, archetipicamente SUD.

Garrone tratta Napoli come Gabriel Garcia Marquez tratta Macondo in Cent’anni di Solitudine: una dimensione parallela dove i tratti dell’umanità si delineano e si scolpiscono nelle parole, negli sguardi, nei gesti. Tutti ci ritroviamo in essi, eppure ce ne sentiamo distanti, una distanza rassicurante, ma illusoria. Al contrario, Ciprì plasma Palermo ad immagine e somiglianza dei suoi abitanti, che antropomorfizzano il tessuto urbano, con macchine bruciate, sangue di bambini uccisi dalla mafia e spazzatura.

Il motore di entrambe le storie è comune: la miseria. Entrambi i protagonisti ne sono vittime, e ne vogliono uscire. Le scorciatoie che il destino metterà loro a disposizione sono trappole generate da un determinismo sociale di sapore prettamente verghiano. Ma qui i Malavoglia non subiscono sventure, ne sono artefici e complici. L’accento più si fa comico tanto più risulta tragico.

Questi due film ridanno lustro al cinema italiano, come ai tempi del neorealismo. Un paese che ha vissuto un ventennio di sogno berlusconiano si risveglia più povero e misero di prima. Così, a svegliarci ci pensano due “ministri tecnici” della cinematografia, Garrone e Ciprì. La loro riforma lacrime e celluloide non fa soffire meno di quella di Mario Monti.

Eppure, dovremmo esserne contenti. Riuscire ancora a soffire, dopo il coma mediatico, è segno di esser ancora capaci di vivere. E forse di rialzarsi.

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Mario, il sopravvissuto

Qual e’ il limite tra vivere e sopravvivere?

Questa e’ la lezione più grande di Monicelli, nelle opere e nella sua tragica morte. Il suo e’ stato un cinema di vita, di comicita’ nostalgica, di interesse nazional-popolare.

Tutto denunciava una voglia tremenda di esprimersi in tutti i sensi e con tutti i sensi, tanto che il codice cinematografico a volte sembrava non poterla contenere.

E Monicelli si e’ suicidato, perche’ non vedeva più speranza. Proprio perche’ neanche più la vita riusciva a contenere la sua rappresentazione dell’esistenza.

Perche’ sopravviversi quando non esiste più la tua idea di vita? Personalmente, tendo a chiedermelo sempre di più.

Grazie, Maestro.

Draquila – Dittatura in corso (la recensione)

Se già Videocracy mi aveva angosciato profondamente, questo documentario di Sabina Guzzanti mi ha fatto incazzare come non mai. Scoprire del regime dittatoriale militare instaurato a L’Aquila dal Governo Berlusconi attraverso il braccio armato della Protezione Civile di Guido Bertolaso mi provoca un attacco collerico non indifferente.

Nessun giornale ne ha mai parlato (triste che sia una comica a farne le veci).

Nei campi, non si può nè entrare nè uscire senza incappare in un posto di blocco che fa domande, non si possono indire assemblee spontanee non autorizzate, non si possono bere cocacola e caffè (“per non eccitare i terremotati”), non si possono affiggere cartelloni di protesta. Mentre chi ha avuto le case si deve impegnare a riconsegnare TUTTO ciò che gli è stato fornito se dovesse andar via (DOVE???).

Gli aquilani sono PRIGIONIERI dello Stato Italiano. La Protezione Civile è la forza Carceraria.

Ma intanto, quello che conta è costruire, costruire, costruire nuove case, new towns, new centri commerciali. E la città vecchia è lasciata al declino più totale. Chi se ne frega, ci penserà qualche Governo di sinistra a ricostruire per i prossimi 20 anni: intanto, io m’incasso i consensi ora – chi vivrà, vedrà.

Da domani sarà difficile negarlo: l’Aquila è il laboratorio del regime che sarà (o che già c’è).

Grazie Sabrina.

Simon Koniansky – la recensione

E poi ci chiedono perchè noi ebrei siamo ironici.

Questa pellicola belga sulla sgangherata famiglia di Simon Koniansky, 40enne senza nè parte nè arte, è un piccola ‘Jewpedia’ di gag e satira tutta yiddish, quel misto di ebraismo e cultura mittelleuropea che pervade anche la letteratura americana moderna tramite i grandi Roth, Auslander&co.

L’originalità del film, in ogni caso, sta nella miscellanea: sottolineare alcune scene con musiche circensi, mescolare dialoghi faceti alle immagini dei lager polacchi ed infine, l’ossessione sessuale temperata dalla tenerezza e la goffaggine del protagonista. Tutto ciò rende questo film un piccolo gioiello della cultura audiovisiva europea.

Lasciatemi aggiungere una nota personale: che goduria vedere il film in compagnia delle ottagenuarie ed ebreissime Sara, Rachele e Marta che ironizzavano su ogni scena con la erre moscia (” quell’attoVe è uguale al mio Vagazzo!!”)! Rassicurante e tenero sapere che, mentre i turisti fuori si accalcavano attorno a dei monumenti morti, io potevo godermi quelli viventi accanto a me.

Sono momenti e film come questi che mi fanno ringraziare di vivere in questo infernale pezzo di paradiso che è Roma.

“Il Mago della Truffa” e “Mine Vaganti” – due film, un solo stereotipo

Se non fosse una storia vera diresti che e’ tutta una boiata. Eppure, “Il Mago della truffa” con Jim Carey e’ tratto da un caso di cronaca degli anni Novanta. Un uomo socialmente ineccepibile (etero, moglie biondissima, lavoro rispettabile e tanti canti in Chiesa)  decide di dare una svolta alla sua vita dopo un incidente stradale: ammette la sua omosessualita’, inizia a truffare per avere sempre più soldi con i quali viziare i propri compagni, e finisce in carcere innunerevoli volte. Magistrali le interpretazioni di Carey e Ewan McGregor, e una fotografia davvero spettacolare.

Sempre sul tema omo, anche il film “Mine Vaganti” di Ozptek. Storia del coming out di due fratelli che distrugge l’armonia di una famiglia tradizionale pugliese. Una commedia decisamente brillante quando e’ commedia; ma un polpettone quantomai deprimente, quando sembra darci lezioni di vita.

In ogni caso, entrambi i film hanno in comune un tratto: sono una raccolta di stereotipi gay triti e stratriti. Una puntata di Uomini&Donne contiene meno banalità. Nel film con Carey, i temi sono la ricchezza, la moda, le passeggiate con il chihuahua, i vestiti attillati, l’ossessione per il sesso; in quello di Ozpetek, il sud arretrato ed i gay effeminati che ballano musiche di dive gay.

Se è vero che la discriminazione nasce prima di tutto dalla disinformazione, questi due film non fanno che alimentare quest’ultima accrescendo la prima. A chi volesse davvero conoscere gli omosessuali do un consiglio spassionato: evitate il cinema e guardatevi attorno: ne conoscete già molti a vostra insaputa.

Abituatevi a vedere i piccoli gay o neri, o rumeni, o zingari che si annidano in tutti noi. E non credete a chi vuole vendervi un mondo in bianco e nero: perchè è nelle sfumature il senso della vita.

Invictus – la recensione

Alla fine di ogni film di Clint Eastwood ti chiedi come il cinema ne abbia fatto a meno fino a quel momento. Ogni suo film sembra necessario, ogni sua scena indelebile eppure gia’ scritta nella memoria collettiva.

Mai prima d’ora il regista si era spinto in pellicole epiche ed epocali. Era venuta l’ora: dopo Gran Torino che e’ la storia dell’integrazione tra un uomo ed il suo presente, ecco Invictus la storia di riconciliazione di una nazione con il proprio futuro.

Ma soprattutto, e’ la storia politica della Politica. “Mi avete eletto vostro leader, e allora lasciatevi guidare”. Ecco cosa dice Mandela-Freeman quando impone decisioni impopolari ad una nazione nera, assetata di vendetta verso la minoranza bianca. E’ una lezione di leadership, opposta a quella di mera e povera followship che lo spettacolo politico odierno ci offre con tetra regolarita’.

Ma e’ soprattutto l’ultima puntata della resa dei conti di Eastwood con i fantasmi della sua societa’. Una resa dei conti come sempre netta, pulita, priva di giudizio.

Ottimo lavoro, l’ennesimo da vedere e gustare.

Il concerto – recensione

Dopo 30 minuti la fine del film, avevo ancora il fiato sospeso. Per calmarmi, ho dovuto spararmi 1 ora di Tchaikovsky nell’iPod.

Il concerto” di Radu Mihaileanu, mai visto qualcosa di cosi’ sublime: un concentrato di tenerezza, arte, musica, passione, ironia e leggiadria. Degli attori perfettamente incastonati in una corona di diamanti in sceneggiatura. Una trama costruita in crescendo in cui esiste una commistione di generi incredibile. Sembra una commedia malinconica, di quelle a cui gli est-europei ci hanno abituato, ma all’improvviso nel lunghissimo finale (20 minuti), tutta la drammaticità si svela e si scioglie agli occhi dello spettatore che è combattutto tra l’estasi e la crisi di Stendhal.

Non sto esagerando:vorrei poter essere più chiaro e verbalizzare la miriade di sensazioni, ma sono davvero troppo emozionato e spiazzato. Un solo avvertimento: non andate a vederlo se soffrite di cuore o se non ne avete uno.

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